Explorer le 7ᵉ art, une image à la fois.
Agnès Varda occupe une place singulière dans l’histoire du cinéma français. Née en 1928 à Ixelles, en Belgique, et morte à Paris en 2019, elle a construit une œuvre située entre la fiction, le documentaire, la photographie et l’installation artistique. Son cinéma refuse les catégories rigides : un film peut partir d’une histoire inventée, accueillir des personnes réelles et intégrer des éléments directement issus de la vie de la cinéaste.
Souvent associée à la Nouvelle Vague, Agnès Varda réalise pourtant son premier long métrage, La Pointe courte, dès 1955, avant les débuts de Jean-Luc Godard ou d’Éric Rohmer. Tourné à Sète avec des moyens limités, le film entremêle la crise d’un couple parisien et la vie quotidienne des habitants d’un quartier de pêcheurs. Cette construction en deux mouvements annonce déjà les grandes constantes de son cinéma : observer le réel, donner une place aux anonymes et faire dialoguer l’intime avec le collectif.
Chez Varda, la fiction n’est jamais coupée du monde. Elle sert au contraire à révéler des émotions, des rapports sociaux et des territoires. Dans Cléo de 5 à 7 (1962), une chanteuse attend les résultats d’un examen médical dans Paris. Le récit suit presque en temps réel son parcours entre 17 heures et 18 h 30. La ville devient un personnage à part entière, tandis que l’angoisse de Cléo transforme son regard sur les autres.
Le film se distingue notamment par :
Plus tard, Sans toit ni loi (1985) adopte une forme presque documentaire pour raconter les dernières semaines de Mona, une jeune femme vivant sur les routes. Le film, récompensé par le Lion d’or à la Mostra de Venise en 1985, refuse de fournir une explication psychologique simple. Varda construit un portrait fragmenté à partir de témoignages, comme si le personnage était reconstitué par les regards de ceux qui l’ont croisée.
Le documentaire permet à Agnès Varda de s’intéresser à des personnes et à des pratiques rarement placées au centre des récits médiatiques. Dans Daguerréotypes (1977), elle filme les commerçants et les habitants de la rue Daguerre, à Paris, où elle vit. Le film ne cherche pas l’événement spectaculaire : il observe les métiers, les habitudes, les vitrines et les liens de voisinage.
Avec Les Glaneurs et la Glaneuse (2000), Varda part à la rencontre de personnes qui récupèrent des objets ou de la nourriture délaissés. Elle associe cette enquête sociale à sa propre présence devant la caméra et à une réflexion sur le vieillissement. La petite caméra numérique devient un outil de proximité, capable de suivre les gestes et les détails du quotidien. Le film montre ainsi que le documentaire peut être à la fois une enquête sur le monde et un autoportrait indirect.
Son engagement documentaire s’étend aussi aux luttes politiques. En 1968, elle réalise Black Panthers, consacré aux manifestations organisées à Oakland autour de l’emprisonnement de Huey P. Newton. Cette œuvre témoigne de son intérêt pour les mouvements collectifs et pour les paroles qui circulent en dehors des cadres institutionnels.
À partir des années 2000, Agnès Varda assume de plus en plus clairement sa présence à l’écran. Elle ne se contente pas de raconter sa vie : elle montre comment une cinéaste regarde, se souvient, sélectionne et transforme ses archives. Les Plages d’Agnès (2008) traverse les lieux importants de son existence, de la Belgique à la France, en passant par les espaces de tournage et les rencontres qui ont nourri son œuvre.
Le film mêle photographies, extraits de films, témoignages et mises en scène ludiques. Les plages y deviennent une image de la mémoire : elles conservent des traces tout en étant constamment remodelées par le vent et les marées. En 2019, Varda par Agnès, conçu comme une leçon de cinéma, revient sur ses méthodes et ses thèmes. La cinéaste y présente son travail autour de trois mots : l’inspiration, la création et le partage.
Cette démarche explique pourquoi son autoportrait ne relève pas seulement de la confession. Varda utilise son histoire personnelle pour parler du temps, de la création, de la vieillesse, de l’amitié et de la manière dont les images fabriquent une mémoire commune.
Agnès Varda a également développé une œuvre à la frontière entre cinéma et arts visuels. Ses installations, ses photographies et ses films prolongent souvent les mêmes motifs : les cabanes, les portraits, les récoltes, les plages et les traces du passé. Dans Visages, Villages (2017), réalisé avec l’artiste JR, elle parcourt des villages français pour photographier leurs habitants et agrandir leurs portraits sur les murs.
Le projet repose sur une idée simple mais puissante : donner une visibilité monumentale à des personnes souvent absentes des représentations officielles. Le film a été nommé à l’Oscar du meilleur documentaire et a reçu un prix d’honneur à Cannes pour son caractère inventif. Il illustre la capacité de Varda à associer enquête, poésie et participation des habitants.
Pour découvrir son parcours, les ressources de la CNC, de la Cinémathèque française et du Festival de Cannes permettent de replacer ses films dans l’histoire du cinéma français.
Son premier film, La Pointe courte, sort en 1955 et anticipe plusieurs caractéristiques de la Nouvelle Vague : tournage en décors naturels, attention portée aux gestes quotidiens et liberté dans la narration. Elle est toutefois souvent présentée comme une figure singulière, parfois rattachée à la « Rive gauche » du mouvement.
Cléo de 5 à 7 constitue une excellente porte d’entrée vers sa fiction. Pour découvrir son approche documentaire et autobiographique, Les Glaneurs et la Glaneuse ou Les Plages d’Agnès sont particulièrement représentatifs.
Son style repose sur le mélange des formes : témoignages, scènes préparées, archives, photographie, voix off et observation directe. Varda rend visible sa position de cinéaste au lieu de prétendre à une neutralité absolue.
